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Conquistadores y conquistados.

Cuando era niño viví en México. Visitando Tenochtitlán, entendí con 9 años el verdadero sentido de la palabra patrimonio, de la importancia de proteger  bienes culturales, y de la profunda relación que tiene el arte con la cultura e identidad de los pueblos. También compartí el sentimiento de indignación y frustración al enterarme que el original Penacho de Moctezuma está en Austria!,  El  exhibido en el Museo de Arqueología de México es una imitación.

Que oportunidades tiene el mexicano promedio de ir al Museo de Antropología de Viena para poder contemplar algo que representa una parte fundamental de su cultura? Si comete la osadía de pedir visa para así sea verlo por un ratico, le recitarán en tono burocrático - europeo el verso de esta canción:

que quien es usted que donde nació  entonces no puede entrar a esta nación es ud conquistado no es conquistador ud no puede soñar con una vida mejor

El asunto no solo se limita a culturas precolombinas, si yo fuera egipcio pensaría porque carajos tengo que ir a Paris para poder ver esa obra genial que se llama el Escriba Sentado, no sin antes tener que hacer una escala obligada en Londres para ver la piedra de rosetta. Ejemplos similares se pueden hacer con obras de culturas persas, chinas, griegas y casi cualquier pueblo destruido o azotado por el colonialismo y guerras europeas.

Este mes han pasado varias cosas alrededor del caso Gurlitt, varias de ellas relacionadas con este dilema sobre los dueños originales de objetos que son patrimonio universal.

Finalmente se definió que la lista de obras de las que se sospecha fueron obtenidas durante la Segunda Guerra Mundial de manera dudosa son cerca de 500. Sobre los 1406 objetos incautados, se aclaró también, que algunos de ellos no eran obras como tal sino catálogos, folletos y otros documentos. Igualmente se identificó que varias de las obras habían pertenecido a la familia Gurlitt por muchas generaciones y por lo tanto habían sido devueltas.

Lo anterior no disminuye en los mas mínimo la importancia y el valor artístico de este hallazgo. Para no ir tan lejos, esta semana publicaron obras de Rodin, Cézanne, Renoir y Picasso entre otros, la colección de obras publicadas ascendió a 460,  la entidad encargada de este "chicharrón" esta enfrentando varias reclamaciones por parte de la comunidad Judía, donde solicitan que un miembro de esta comunidad sea parte del grupo de expertos que valoran la autenticidad y origen de las obras. Apenas entendible, teniendo en cuenta los antecedentes arriba mencionados.

El trabajo de determinar el dueño original de obras incautadas durante el régimen Nazi es una labor bien complicada, no solo por los aspectos prácticos que esta tarea implica, sino por el precedente que se establece al restituir estas obras.

Si se determina que estas obras deben retornar "en lo posible" a sus antiguos dueños, como lo ha ratificado de palabra el gobierno alemán, lo mismo debe o debería hacerse con obras que están en distintos museos de Alemania en particular y Europa en general. Del museo Pérgamo en Berlín, me acuerdo de obras de los padres de la escultura Fidias, Policleto y Praxíteles, de lo imponente de un edificio griego de mas de 35 metros de alto con sus frisos, cornisas, escaleras, columnas, etc (dentro de un museo), y del azul profundo de los ladrillos vitrificados Sumerios.

Arriba Altar de Pérgamo. Abajo Izq Puerta de Ishtar Abajo Der. León. Museo Pérgamo, Berlín.

Como me gustaría ver cómo se las ingenian los muy eficientes y ecuánimes alemanes para retornar a sus legítimos dueños la puerta de Ishtar y la acrópolis de Pérgamo, actualmente en Berlín. Supongo que todo el mundo (menos yo) pensará, "aaahhh no...esas obras no cuentan, no juegan" fin de la discusión. Para mi los argumentos de identidad, vínculo cultural  son lo suficientemente contundentes para apoyar una restitución.

Escogí para encabezar esta entrada Desnudo de Mujer Pelirroja de Edgar Degas, obra inédita publicada esta semana.

Un Rockstar en el S. XIX

Jimi Hendrix, Kurt Cobain, Amy Winehouse y en genreal todos y cada uno de los miembros del club de los 27 se caracterizan por sus magníficas contribuciones a la música, haber usado y abusado de las drogas, y morir en la edad nefasta que llaman. Aunque en el S. XIX, mas de un artista "pintaba" (literal y figuradamente) para ser miembro de tan distinguido colectivo, sin duda alguna Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa habría sido presidente fundador o  por lo menos miembro honoris causa, no consumia heroína, crack o anfetas, con la absenta tenía y le sobraba.

En menos de dos décadas, este enano, aristócrata, alcohólico, bohemio y prostituto, crearía más de 1000 óleos y acuarelas, más de 5000 dibujos, definiría los conceptos gráficos del afiche moderno, inventaría el bastón-petaca, un bastón con compartimientos secretos para guardar alcohol  y hasta incursionaría en la estética drag (ver foto). 

Lo prolífico de la obra de este rockstar primigenio se entiende mejor si tenemos en cuenta que pintó casi un cuadro o acuarela por semana y prácticamente un dibujo o cartel por día, este despliegue de creatividad para cualquier persona es de por sí impresionante; ahora, para alguien acostumbrado a andar de puta en puta y de botella en botella es toda una proeza. Quien puede tener semejante producción, con ese ritmo de vida? Yo a duras penas podría recuperarme de la resaca y eso. Que óleos ni que nada. 

Uno de los aspectos que más me gustan de sus obras es ese retrato de lo marginal con una visión de humanidad, cotidianidad y dignidad. Las cabareteras son ante todo mujeres, aristócratas y putas comparten sin distinción de clase y sin morbo.  Famosas vedettes dejan el escenario para ser retratadas como parte de la audiencia. Sensibilidad genuina y única, genialidad sutil. 

La obra de arriba, Diván Japonés, es una muestra de esa visión cotidiana,  la influencia del arte japonés, mencionado acá, es notoria. Jane Avril, aparece en primer plano (Nicole Kidman la interpretó en Moulin Rogue!), ella fué una famosa vedette del Molino Rojo, sale retratada como una espectador mas, acompañada por Edouard Dujardin, un novelista y escritor de obras de teatro, quien también hace parte de la audiencia. La cantante sin rostro, detalle elegido apropósito es Yvette Guilbert, sus largos guantes negros no necesitan mas presentación. Todos los personajes de la obra eran buenos amigos del autor.

Es fácil ver porque esta es una de las obras precursoras del afiche moderno. Lautrec, no solo seleccionaba cuidadosamente los personajes,  cuidaba detalladamente todos los aspectos de la composición, el tipo de letra y los colores de la obra. También supervisaba y verificaba la calidad de la impresión, las tintas y seleccionaba los materiales de manera meticulosa, ningún aspecto del afiche era dejado al azar. Ni siquiera su exhibición, esta litografía se realizó para celebrar la reinaguración de este local parisino.

La gran mayoría de sus cuadros son así, infinidad de detalles que si no se tiene un contexto tal vez se pierden, o se observan de manera distraída, retratos donde lo marginal pasa a ser protagonista sin rayar en clichés de falsa compasión, capturados con una sensibilidad que solo han desarrollado los que han tenido el difícil y admirable destino de integrar minorías,  superar prejuicios y dejar legados apesar de grandes limitaciones. 

En la colección Gurlitt se encontraron cerca de 40 obras de Lautrec, en su mayoría dibujos, que con todo lo que hay que decir de este autor seguirán apareciendo por acá. Escogí para esta entrada La Goulue (La Golosa), en referencia a una de las  bailarinas mas populares del Molino Rojo. Al igual que el cuadro de arriba, los otros dos personajes de este dibujo debieron ser bastante populares. De momento solo se sabe el nombre de la obra, y la protagonista. Tal vez en unos años sepamos a quien corresponden las otras dos figuras. Esa es una de las razones de ser de este blog. 

Siempre trato de colgar las imágenes con la mas alta resolución posible para no perder detalles, en este caso la firma de Lautrec en rojo es otra de las sutiles alusiones a la influencia del japonismo en su obra. 

Luego de una vida marcada por sus afecciones genéticas (sus padres eran primos hermanos) moriría en su ley, a los 36 años afectado por la sífilis, el alcohol y una vida no muy diferente a la de Janis Joplin, Robert Johnson, Brian Jones, Jim Morrison o cualquiera de los del club de los 27. 

Cultura pop.

Siempre me ha llamado la atención la dinámica de la cultura popular y sus memes. ¿Como un objeto o una persona se convierten en algo o alguien famoso? pasan del total anonimato a estar en la boca de todo el mundo. Las semanas pasadas fue el color de un vestido, pero estamos acostumbrados a que fenómenos de ese estilo inunden nuestra cotidianidad. Es parte fundamental de nuestra vida digital.

La imagen de arriba es una de esas pinturas que por decirlo de alguna forma ha alcanzado ese estatus de meme, un meme un tanto particular porque  llegó a ese status sin you tube, facebook, sin internet y prácticamente sin ningún medio de comunicación, fue viral antes que la palabra se usara por primera vez. Todo un hito sociológico.

Así uno no tenga ni idea quien la hizo, la técnica, o como se llama esta obra su fama le permite aparecer en literalmente cualquier lado sin desentonar.  La imagen se puede encontrar en el baño de un restaurante popular, en el consultorio del doctor y en la habitación de un estudiante. En todos estos espacios "La Gran Ola de Kanagawa" sale reivindicada. La vemos en camisetas hipsters, llaveros, mugs, y afiches de hace 30 años. No sabemos nada de ella, pero esta ahí. Una reina Pop más vieja que Madonna y mas cool que Katy Perry.

Personalmente, me encanta lo dramático del momento. Los pescadores están a punto de ser engullidos por esa ola gigante y al fondo se ve un monte Fuji diminuto,  contrate que acentúa aún más el poder del océano. Tan inspiradora es esta imagen, que Debussy se inspiró en ella para componer Le Mer.

Su fama le ha permitido ser incluida en la lista de la Historia del Mundo en 100 Objetos. Es en ese libro donde encontré las primeras referencias a su celebridad. Durante mucho tiempo Japón era una isla totalmente aislada. Durante el S. XIX, sólo algunos barcos mercantes autorizados podían atracar en un único punto de contacto con el exterior ubicado en el puerto de Nagasaki. Los demás puertos y la sociedad en general estaba cerrados a los barcos o contactos extranjeros.

Uno de los pocos objetos que se podían llevar estos barcos eran estampas, fáciles de transportar, ligeras y muy populares en Japón. Su elaboración permitía hacer muchas copias de ellos, convirtiéndolos en exactamente lo que tenemos hoy, un objeto curioso a un precio módico, que gracias a los barcos holandeses y americanos hacía que su popularidad se extendiera a otros continentes.

A mediados y finales del siglo XIX, estas estampas llegaron a Europa y fueron una verdadera sensación, es difícil entender el impacto de estas estampas 200 años después, sin embargo, basta con fijarse en cuadros de van Gogh, Lautrec, Monet o Degas para ver la gran acogida y sobre todo la influencia que estos objetos del lejano oriente tuvieron.

Vincent van Gogh - La Cortesana
Oleo sobre lienzo

Dentro del mundo del arte, estas imágenes absolutamente exóticas, fueron un testimonio que ponía en tela de juicio las ideas preconcebidas donde el arte era lo clásico, las naturalezas muertas, santos, reyes y pare de contar. Y donde solo lo que tenía estatus de realeza o santidad merecía pasar la posteridad.

Estas impresiones, al entrar a formar parte del imaginario popular, dieron nuevas perspectivas a lo que se podía entender como arte, el hecho de que estas ilustraciones alcanzaron  fama y se hicieran parte de la cultura "pop" de la época, era una prueba fehaciente para los artistas, que la pintura podía ser mucho más que santos, faunos, centauros y reyes.

El mensaje de oriente decía que una obra maestra puede (y en cierta manera debe) ser mundana, puede hacerse por el simple placer de representar lo cotidiano, de celebrar la desnudez o entender como la luz afecta la percepción de un objeto. Si eso se podía hacer en una tierra salvaje y lejana rodeada de océanos, ¿porque no en la civilizada e industrializada Europa? La revolución impresionista en París estaba servida, en gran parte ayudada por la influencia que tuvieron  estas estampas japonesas en pintores de la talla de Monet, Lautrec, Gauguin o Van-Gogh.

Gran parte de los memes que vemos hoy, siguen estos patrones arbitrarios, no sabemos muy bien porqué de un momento a otro una conversación mundana sobre el color de un vestido se convierte en una discusión global, ni tampoco se muy bien cuantos de ellos aguanten el paso del tiempo, (ojalá todos los años se haga un Ice Bucket Challenge), pero lo cierto es que la inmensa mayoría serán efímeros. (¿Alguien se acuerda del harlem shake?).

Contrario a estos memes pasajeros, La Gran Ola de Kangawa sigue ahí.  inmutable, a la vanguardia de todo, marcando tendencias desde su anonimato centenario. Se realizaron mas de 5000 copias de esta estampa,  elaborada originalmente por   Katsushika Hokusa. Reproducciones de alta calidad se
conservan en el Museo Británico, Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, El Instituto de Arte de Chicago, La Casa Claude Monet en Giverny (Francia), entre otras muchas locaciones.

de colas, senos y manos.

Hay momentos en los que pareciera que Colombia esta en pleno siglo XIX. La tecnología ha avanzado, se abolió la esclavitud (como institución), pero hay comportamientos deplorables que 200 años después siguen intactos, eventualmente mutan a versiones mas sofisticadas, pero el vicio humano en esencia es el mismo.

La semana pasada el gran tema del dia en la emisora la W fue "Que prefiere en una mujer los senos o la cola?". Debo aclarar que en la vida he escuchado esa estación de radio, bastante alejada de mis preferencias por cierto. Me topé por desgracia con este foro por el anuncio que hicieron en la primera página de El Tiempo del 19 de Diciembre.

Una horda (719 para ser precisos) de orates decidieron participar, con sus respectivas opiniones. Haciendo a un lado mi repulsión, tome aire y decidí zambullirme en el averno de esa cloaca que son los foros y comentarios de ese medio, para ver si entre tanta porquería encontraba un mínimo de dignidad o de sensatez. Luego de aguantar la respiración por mas de 40 comentarios y cinco páginas después encontré un llamado de respeto, condenando la frívola y vergonzosa elección del "tema del día". Salí de allí asqueado. El título del comentario era "Abajo la W"

El asunto para mi es de doble vía, los medios (El tiempo y la W) merecen escarnio público por fomentar el machismo, así de simple. Pero también la audiencia de ambos debe pronunciarse frente a cosas que son un abuso. Los medios se lavan siempre las manos diciendo que publican lo que la gente quiere y la gente se lava las manos diciendo que los medio no informan como debe ser. Creo que la responsabilidad aquí es de todos.

Y como La W, El Tiempo y el machismo tiene que ver con esta bitácora? Pues bastante. Durante mis 5 años de bachillerato tuve clases de historia del arte, entre todas las obras que vi a lo largo de ese tiempo no recuerdo la primera hecha por una mujer. La situación no es muy diferente si uno mira las colecciones del Louvre, El Prado, La Uffizi o al Museo Británico por nombrar solo algunos. La inmensa mayoría de obras son de hombres.



De los varios centenares de autores de la colección Gurlitt,  hasta ahora solo uno es mujer.  Una de sus obras encabeza este párrafo. Naturaleza muerta con duraznos y concha. Me encanta el reflejo de los duraznos en la bandeja.  Los claroscuros alrededor del nácar hace que uno recorra el cuadro llegando hasta la parte inferior derecha. Es imposible ignorarlo. Click para ampliar

Catharina Treu nació en Banberg (Alemania) en 1743, proveniente de una familia de artistas. Intenté buscar mas información sobre ella pero la verdad no hay mucha. Hace 200 años (al igual que ahora) las posibilidades de ser exitosas para muchas mujeres están determinadas en gran medida por una improbable coincidencia de círculos sociales y de poder.

Este post no es una oda al feminismo ni nada por el estilo, es simplemente un breve manifiesto en pro de la igualdad, y sobre todo un reconocimiento también a esa mujer que hace 40.000 millones de años decidió plasmar su mano en las paredes de su cueva, dándole a la humanidad una forma de expresión maravillosa que hoy llamamos pintura. Increíble que luego de 40.000 años se pueda saber que las manos de las pinturas rupestres de Altamira son de mujer. Noticia que poco interesa a la W por no hablar de colas o senos. Las manos no dan comentarios ni audiencia y menos si son de mujer.

Los Gurlitt (parte 2)

La tercera esposa de Louis Gurlitt,  Elizabeth Lewald provenía de una reconocida familia de abogados y escritores de ascendencia judía. Ese parentesco marcaría el destino de esta familia, antes, durante y al final de la Segunda Guerra Mundial y por ende el de las pinturas de esta colección. (Acá la parte 1)

Louis había enviudado dos veces anteriormente, cuando se casó con Elisabeth tuvieron cuatro hijos: Wilhem, Fritz, Ludwig y el por así decirlo, gran patriarca de esta historia, Cornelius Gustav. Quien fue historiador de arte y arquitecto, sus inclinaciones profesionales estuvieron mas del lado de la arquitectura que de otras disciplinas artísticas.

Sin embargo, como historiador de arte y contemporáneo de Renoir, Manet, Pissarro, Sisley y demás pintores impresionistas y expresionistas es evidente que conoció de primera mano los trabajos de estos grandes maestros. No sólo vivió en una momento privilegiado para el mundo de la pintura, por la misma época la fotografía y la caricatura moderna vivieron un auge sin igual.

Sus trabajos como historiador estuvieron centrados en arte barroco y rococó (no confundir con narcocó), de hecho sus  tratados y estudios sirvieron para que edificios pertenecientes a estos estilos fueran  conservados y declarados patrimonio.

Cornelius Gustav tuvo 2 hijos y una hija, una genealogía completa de la familia puede verse acá.
Uno de sus hijos, Hildebrant y su nieto Cornelius son los protagonistas de este relato.

Según Google, podemos encontrar calles "Gurlitt"  en Dresden,  Düsseldorf, Kiel, Hamburgo, dada la prominencia social de esta familia es un poco difícil saber a ciencia cierta, a quien alude esta distinción.

En Dresden, para evitar ambigüedades, decidieron bautizar la calle con el nombre y apellido del protagonista de esta entrada y ciertamente fue otorgado por sus trabajos en pro de la conservación de monumentos históricos.

Mi referencia a la  fotografía y la caricatura no es casual, la semana pasada la colección de obras publicadas paso de 252 a 327 obras. La mayoría de las obras incluidas son de Honoré Daumier, un prolífico artista francés, contemporáneo de Cornelius Gustav. Las mas de 20 litografías publicadas la semana pasada son caricaturas relacionadas con la vida cotidiana y los eventos políticos franceses de finales de siglo XIX. Son obras del mismo autor de "Don Quijote y Sancho Panza" uno de los cuadros del "slide show" de la versión web de esta bitácora.

En la caricatura que inicia la entrada creo (no entiendo muy bien) que dice algo así como:

"mira, kiaserlick...,  puedes dejar de coquetear con mujeres?"

Los contextos como siempre son fundamentales, mi altamente especulativa interpretación era que el dibujo trata sobre las tensiones y comportamientos reprochables del ejército o falsos positivos que llaman ahora (tema universal lamentablemente), hasta que encontré la explicación acá.

El soldado zouave (Francia),  patea al kaiserlick (Austria) y le dice que deje en paz a la mujer (Italia), la caricatura se publicó en el periódico francés Le Charivari y por eso en este caso es posible conocer el contexto de la obra.

Las caricaturas de Daumier son para observar con cuidado, están llenas de detalles que a simple vista se pierden. En esta por ejemplo vale la pena detallar las expresiones tan distintas de cada uno de los 3 personajes, los detalles de los uniformes (eso nos dice que uno de los soldados es franco-marroquí) y el vestido de la mujer. Mas sobre Daumier en el siguiente post.

9000 euros

Septiembre de 2010, un señor de avanzada edad, mediana estatura y de pelo cano aborda en Zurich (Suiza) el último tren con dirección a su casa en Múnich (Alemania), con 9000 euros en efectivo.

En la frontera alemana, oficiales de aduana registran el contenido de la maleta del señor, y encuentran los 18 billetes de quinientos euros, junto con algunos sobres vacíos de un banco suizo. La inspección no es otra cosa que un procedimiento de rutina, orientado a identificar potenciales evasores de impuestos, que utilizan Suiza como paraíso fiscal mientras mueven  grandes cantidades de dinero a escondidas del gobierno alemán.

El amable anciano no ha transgredido ninguna ley. El límite para sumas en efectivo es 10.000 euros, sin embargo por tratarse de una cifra cercana al limite legal los oficiales deciden tomar los datos personales del octogenario pasajero y enviar un reporte a la oficina de impuestos.

Con los datos recopilados en el informe se inician varias búsquedas en las bases de datos gubernamentales: base de datos pensionados, de registro impositivo, ayuntamiento de la ciudad, etc. todas ellas sin resultados. El octogenario del tren es, según los registros impositivos un fantasma.

Luego de 18 meses de búsquedas infructuosas, la oficina de aduanas emite una orden para registrar la residencia Gurlitt.  El 28 de febrero de 2012  se confiscan más de 100 óleos enmarcados y más de 1000 acuarelas, litografías, dibujos y grabados sin enmarcar. El traslado de los obras a una locación "no especificada" tardó más de 3 días.

La imagen que encabeza esta entrada es una obra de Max Beckmann  titulada El domador de leones.
Su obra está marcada por formas violentas, espacios aplanados y temas asociados con la bestialidad humana, no es casualidad el tema del "dominio" de una animal salvaje en este cuadro. Es una manera sutil de retratar lo bestial de la naturaleza humana.

Durante los años 20, antes del auge del partido nacional socialista Beckmann es uno de los pintores mas reconocidos en Alemania, en 1928 es distinguido con uno de los mas altos reconocimientos para un artista alemán de la época, La medalla de oro de Dusseldorf. Por tratarse de un artista contrario a los ideales estéticos del Nazismo, es obligado a renunciar de su puesto de profesor. Su obra es prohibida y mas de 600 pinturas de él son quemadas. Ante la persecución, en medio de la pobreza, se exilia en Amsterdam hasta el final de la guerra.

Posteriormente migra a Estados Unidos donde trabaja como profesor y donde también  es capaz de continuar el desarrollo de  su obra, logrando prestigiosos premios,  convirtiéndose en una referencia obligada del arte moderno.  Fallece en 1950 a la edad de 66 años.

El domador de leones fue vendido en Octubre de 2011 en 725,00 euros por una casa de subastas de Colonia. Un año después del incidente en la aduana y un par de meses previos al allanamiento.
Antes de la segunda guerra el cuadro perteneció a un comerciante de arte judío. Sus herederos aceptaron  subastar la obra si recibían el 40% del valor de la venta y el actual dueño, un apacible anciano de Munich recibiría el porcentaje restante.

Los Gurlitt (parte I)

La familia Gurlitt tiene una larga tradición artística que data por lo menos desde finales de siglo XXVIII (dieciocho). Los últimos 200 años  de la histoira del arte, han tenido a esta familia como protagonista, desde diferentes ámbitos. En cada una de sus generaciones (que se pueden rastrear por Wikipedia), se encuentran marchantes de arte, directores de museo, pintores, compositores, escritores, historiadores y como en todas las familias uno que otro abogado.

Los protagonistas principales de esta historia son Hildebrand Gurlitt, el marchante de arte que "recopiló" estos 1406 trabajos durante la segunda guerra mundial y su hijo que los "guardó" por mas de seis décadas en un apartamento. De las personalidades de ambos (cada una a cual mas interesante) me enfocaré en futuras entregas. En esta primera parte  es importante anotar que el abuelo paterno de Hildebrand,  llamado Louis Gurlitt fue un famoso paisajista, muchos de sus trabajos hacen parte de la colección incautada y no hay muchos cuestionamientos a cerca de su origen y propiedad legítima. 

Los contextos históricos y geográficos, en esta historia son muy importantes.  Por sus cuadros (paisajes en su mayoría), uno podría pensar que el abuelo de Hildebrand no es que fuera muy vanguardista que digamos, hay que tener en cuenta que prácticamente ninguno de los movimientos artísticos mostrados abajo, había ocurrido. El impresionismo se encontraba en sus albores, sufriendo  los desdenes y las críticas socarronas de Leroy,  personaje (tristemente) célebre por ese incidente.

Los Gurlitt de esta generación, no sabían lo que era una guerra mundial,  vivían un mundo donde "colonizar" no era "tan malo" y lo clásico imperaba en el arte. 

La sospecha  de que gran parte de la colección Gurlitt halla sido obtenida a partir de saqueos, extorsiones, persecuciones y demás métodos comunes durante el régimen Nazi, no demerita el papel que esta familia ha jugado en el arte contemporáneo, pero si le da un giro muy interesante a este caso, dado el sentido de propiedad que se deriva de heredar "1406" obras maestras. (tema de una próxima entrada)

El cuadro que encabeza esta entrada se llama Alegoría, es un óleo sobre lienzo de Marc Chagall, un artista doblemente perseguido,  no solo por ser judío sino por ser artista "degenerado", su vida y estilo ameritan varias entradas, murió en 1985. Un sobreviviente del holocausto.

Este cuadro se aduce que llegó a la familia Gurlitt por la Hermana de Hildebrandt quien al igual que su abuelo era pintora. Es el único cuadro de Chagall  dentro de las 252 obras publicadas hasta ahora, se espera que pronto el numero de obras llegue a 570.

No dejen de hacer click en el cuadro para apreciarlo como debe ser.

La Noticia.

La noticia apareció en un periódico sensacionalista, decía simplemente que se habían incautado mas de 1400 obras de arte en el quinto piso de un edificio en Munich. Obras inéditas de Chagall, Picasso, Monet, Renoir entre otros. 

Llamó mi atención no solo por mi interés en la historia del arte, sino porque a medida que encontraba artículos sobre el tema, el asunto se tornaba mas complejo, con giros totalmente inesperados y personajes de película, uno de esos casos en los que la realidad supera con creces la imaginación.

Como llegan 1400 obras maestras a un apartamento sin que nadie se de cuenta? como se mantienen allí por medio siglo sin que nadie se entere? como ha vivido su dueño? alguien mas sabía de la existencia de este tesoro? habrán mas obras escondidas? Que hay en esos lienzos? son apenas unas de las miles de preguntas que esta notica trae. 

No es únicamente el hecho  de encontrar 1400 obras que no han tenido la oportunidad de ser observadas, y analizadas con otros ojos diferentes a las de su "dueño", son también 1400 historias de familias, pintores, artistas y demás perseguidos que, para aquellos con suerte encontraron en estos lienzos un pasaporte al exilio o incluso unas cómodas condiciones de vida durante la segunda guerra mundial.  Para los que no estuvieron tan de buenas, esos mismos lienzos significaron una existencia miserable que en algunos casos acabó con sus vidas.  

Las obras aparentemente "pertenecieron" a Hildebrant Gurlitt, un marchante de arte alemán de la segunda guerra mundial, y fueron heredades en 1965 por su hijo Cornelius Gurlitt. Sin embargo, el tema central de a quien es el dueño legitimo de estas y otras obras asociadas con botines de guerra Nazi,  esta esta desde hace tiempo en los tribunales.

La historia, tiene todos los elementos para una nueva entrega de Indiana Jones: Nazis, un tesoro escondido y firmas de abogados interpretando magistralmente  el papel de serpientes ponzoñosas.

La idea de este blog es ademas de tener la oportunidad de difundir estos trabajos, contar en tiempo real esta historia  de película, que sin caer en grandilocuencias, es todo un hito de la historia del arte del siglo pasado.  

El cuadro que encabeza la entrada pertenece a la colección incautada, y por eso la idea de compartirlo.  

La obra se titula Programme pour l'Argent (Programa para L'Argent") de Toulouse-Lautrec, en los colores y los trazos  se evidencia porque a este señor se le considera como uno de los padres del afiche moderno como concepto. De la(s) madre(s) que contribuyeron a engendrar el afiche moderno vale la pena decir que lo hicieron, ejerciendo la profesión mas antigua de la humanidad. Mas sobre este tema en una próxima entrada.

Haciendo click en la imagen es posible ver la firma del autor, un circulo con las letras HTL, mi propósito es publicar estos trabajos con la mas alta resolución posible para poder disfrutar de estos detalles.